深圳美术馆（新馆）艺术空间 | 异开设计 | 2025 | 中国广东

显示全部楼层 · 发表于 2025-7-1 23:33:16

在文化建筑中，创造一处柔软、流动的缓冲地带，是艺术从静态展示转向动态交互的关键过渡。

异开设计EK Design & 泡泡艺廊PP Design Gallery在深圳美术馆（新馆）公共空间中，通过对整体公共区域的空间规划设计、美学与功能的升级改造，巧妙地消解了艺术与生活的边界，让空间绽放出更多艺术的可能性。

这一实践为公众开辟了多个可自由探索的灵感空间，使深圳美术馆（新馆）成为能亲身感知、紧密联结、激发创意的城市文化新地标。

空间规划：诠释场所精神

THE SPIRIT OF PLACE

© 深圳美术馆（新馆）

深圳美术馆（新馆）坐落于深圳北站商务中心区，地处深圳市地理几何中心、粤港澳大湾区东岸城市发展中轴，既承载“文化社区”的生长使命，更肩负推动深圳迈向全球区域文化中心城市的时代责任。

在过往印象中，文化机构常常与观众始终隔着一层“真空距离”：艺术虽近在咫尺，却难以真正融入。而在国际视野下，许多优秀的城市公共空间艺术实验证明，艺术与公众生活的紧密结合，能够极大地提升公众的参与度和文化体验，成为城市文化的重要组成部分。

基于对城市基因和深圳美术馆（新馆）理念的深刻理解，设计团队提出核心改造理念：空间不应只是“展品的容器”，更应成为“社区的共生体”——它需要像街道、公园一样，自然嵌入公众的生活节奏，用艺术滋养精神，以互动连接情感。

这一目标的实现关键在于“消解距离”与“激活参与”。设计团队以“用艺术点亮空间”为指引，采用空间切割的手法，打破传统大空间布局。一方面，打造SZAM ART SPACE复合空间，突破场馆单一展览功能，实现功能与艺术场景的有机融合；另一方面，以《编织童话》《月下白山》两件艺术装置为“软媒介”，用柔软、细腻的视觉语言打破空间物理边界，扩展儿童友好空间。

SZAM ART SPACE

深圳美术馆艺术空间

SZAM ART SPACE位于深圳美术馆（新馆）三层中庭，自然地连接着各个空间，它并非依靠刻意的引导，而是如同一个“开放式展厅”，吸引着公众前往。

这里精心布置了一系列的功能装置，包括文创展台、咖啡吧台和灵活可布的座椅，不仅具备丰富的功能需求，更打破了展馆、咖啡与文创的界限，将实用与美学有机融合，通过设计唤起人们在空间中的想象力，带来全新的艺术体验。

在异开设计看来，场馆本身的空间尺度就像一张纯净的画布，因此选择用形态与色彩的碰撞唤醒感知，打造一处充满记忆与温度场所，带领公众参与到艺术的日常时刻。

装置以低饱和度的渐变色彩，构建出极具视觉张力和情感温度的“多巴胺”色彩体系，赋予空间轻快的节奏感，将公共空间转化为有温度、有叙事、有生命力的城市美学场所。

呼应建筑的形体感受，装置被塑造成充满体量的异形结构，宛如从建筑肌理中自然生长出的雕塑，形成独特的视觉焦点。椅子的设计源于形态简单纯粹的积木，它们可以被任意挪动，邀请观众自由创造新的空间关系。

展台特别设置了隐藏式储物功能，满足了美观性与日常运营的需求。不同高低的台面充分适应了成人与儿童的视线，艺术的体验变得更加包容与亲近。

SZAM ART SPACE 精心打造了一个充满活力与创意的艺术生活场景。观众自由穿梭于不同活动之间，从多重视角深入探索艺术的细节肌理。这种互动体验与窗外不断变化的城市景观相互呼应，共同组成人文与艺术和谐共生的图景。在此，“使用”本身即是艺术体验的核心：它不仅提供沉浸式的艺术享受，更沉淀下可被记忆的生活片段，最终成为城市文化中温暖的注脚，让艺术与生活相互滋养。

编织童话

WOVEN FAIRY TALES

在深圳美术馆（新馆）室外的喷泉广场上，常常上演着一幕生动的场景：孩子们嬉戏着追逐水花，稚嫩的笑声与跃动的身影交织成趣。这些充满生命力的日常画面，启发泡泡艺廊以一种相对静态却同样富有张力的方式，让大家从室外带着愉悦心情自然过渡到室内，感受不一样的趣味与艺术魅力。

艺术装置《编织童话》

色彩被编织成童话，如柔软的故事悬挂于此，他们看见了梦的线索，和未知的边界。

在一楼入口处，悬挂着名为《编织童话》的主题艺术装置。它以传统的手工技艺与现代艺术语言相结合，创造出既熟悉又新颖的视觉效果，成为连接当下与未来、艺术与日常的纽带。

色彩体系的设计，则是对儿童心理与空间属性的双重回应：红黄蓝呼应了美术领域的基础三原色，白色则是对美术馆纯净空间特质的致敬。艺术装置与周围环境相得益彰，编织出童话般的梦幻氛围，不仅充分激发人们对空间的想象力，又能带来独特的视觉体验和情感共鸣。

《编织童话》以一种温柔而细腻的方式，将艺术与日常生活紧密相连，让观众在欣赏的同时，也能感受到艺术的温度和力量，成为连接大众与艺术、培养下一代艺术兴趣的重要媒介。

当艺术装置在光影中流转，孩子们往往会被无形地吸引，主动拉着家长进入美术馆，或是驻足凝望，或是探索场馆内更多的艺术奥秘。这些自然产生的行为不仅连接了公众与场馆的情感，也拉近了艺术与日常生活的距离，正如设计团队所期待的——公共空间的终极意义，不是陈列“艺术”，而是让“艺术”成为连接每个个体的纽带。

月下白山

MOONLIT WHITE MOUNTAIN

艺术装置《月下白山》

灯影如月，白山静卧，在光影低语的归处，想象凝成一方岛屿。

在建筑的空间叙事中，转角常常属于不起眼的留白地带，人们通常快步经过，留下空旷的走廊和沉默的角落。泡泡艺廊洞察到这些角落的叙事潜力，借助日常事物的艺术化重组，巧妙打破大众的惯性认知，将这些空间重塑为独具魅力的“停顿点”。

《月下白山》静静伫立在二层的转角处，两个装置简洁却满溢想象，相互守望形成对话关系。暖黄的灯光为白色山峦镀上柔和的光晕，这里没有喧嚣，唯有光影与山形的温柔呼吸，交织出自然与人文的宁静和谐。在这片静谧天地，每个人都可以肆意幻想，重拾心底那份纯净温暖与浪漫。

灯罩作为装置的艺术化延展，选用了大小不一的圆形软质材料进行包裹，传递出温暖与凝聚的意象。同时，装置被设计成可灵活换装的形式，可根据展览主题变换灯罩造型，这种模式亦是对公众的一种创作邀请——未来将向市民征集DIY灯罩的灵感创想，在公共空间构建集体记忆的存储载体，让艺术成为全民参与的共同语言。

“山峦”的高低错落，不仅赋予了空间丰富的层次感，更激发了人们去探索欲望，它邀请观众自由使用，孩子可以钻进灯罩投影的光影里嬉戏，情侣倚靠山峦起伏处低语。

当艺术装置被赋予可坐、可触、可玩的“生活道具”属性，美术馆便从文化圣殿回归为市民的“精神游乐场”，打破了传统“展品—观众”的单向关系。参观者可以通过日常行为与艺术亲密接触，从而解构艺术的权威感。这一转变的核心，是艺术对城市空间的柔性赋能——不刻意强调“艺术性”，而是以最贴近日常的形态，让艺术始终在场，让生活始终有光。

《月下白山》落成后，它的使用场景已超越了最初的预期：人们在这里拍照打卡、阅读休息、参与精彩的公共活动，甚至听到有人与朋友发送语音：“我在台灯这里等你”。

© 深圳美术馆（新馆）

© 图片见水印

如今，SZAM ART SPACE与两组艺术装置已成为深圳美术馆（新馆）的活力触点，在社交媒体上掀起了一场关于艺术的热潮。从展览现场的沉浸式体验，到观众自发分享的“打卡”故事，这座文化地标正以鲜活的生命力突破传统美术馆的边界，完成从“破圈”到“出圈”的漂亮转身。未来，设计团队将继续以“生长”为关键词，以更多元的艺术形式激活城市公共场景。

从“圣洁的白盒子”到“可生长的有机空间”，设计团队通过前瞻性的空间规划与细节化的场景改造，让艺术的触角延伸至场馆的每一寸肌理，生长为美学浸润、社交共生与精神共鸣于一体的复合文化场域。深圳美术馆（新馆）宛如城市中驱动社交与创新的活力接口，激发着人们彼此交流、分享灵感，成为推动城市文化脉动的新引擎。

对话

QUESTIONS AND ANSWERS

毛桦

异开设计&深圳泡泡艺廊创始人

FRAME

美术馆作为文化空间，具备很强的公共空间属性，您如何理解这种公共空间的设计呢，您在深圳美术馆这个项目中是如何思考场馆与人，人与各种活动事件之间的关系与连接。美术馆不仅仅作为一个空间容器，它承载和体现文化活动与事件，设计师对此有怎么样的预设和思考留白，以包容场馆在未来使用中的各种功能和发展可能性？

毛桦

美术馆是公众接触艺术、感受文化的重要场所，它的公共属性不仅仅体现在物理空间的开放性上，更在于它如何激发和满足公众的文化需求。我们摒弃了传统美术馆那种高高在上、与人保持距离的设计理念，而是以人的体验为中心，用艺术点亮空间，以自然而然的互动方式融入展览、艺术品。观众可以近距离接触艺术作品，用身体感知艺术的内涵。这种体验是多维度的，它打破了艺术与生活的边界，让艺术成为人们生活的一部分。

我认为，这个时代是充满变化的，我们的设计不能仅仅着眼于当下，而应该为未来的发展留出足够的空间。在深圳美术馆（新馆）的设计中，我们没有将空间的功能定义得过于具体，而是保留了一定的模糊性和开放性。这种留白并不是一种空白，而是一种对未来的期待和包容。我们希望这些空间能够随着时间的推移，不断生长和变化，成为一个能够自我更新、自我完善的有机体。

深圳美术馆静立于城市璀璨的灯火中，馆内透出的温暖光晕，在暗夜中如文化灯塔，吸引着人们驻足——这里不仅是艺术的容器，更成为城市精神生活的发光体，在繁华深处守护着一方静谧与思考的空间。© 深圳美术馆（新馆）

FRAME

您提到在深圳美术馆这个项目里，打造一处充满记忆与温度的场所，带领公众参与到艺术的日常时刻。在上次的FRAME SHOW，您也表达过相似的理念，即模糊掉艺术与日常的界限。这个表达很有意思，而且其实已经超出了设计师的范畴，您为什么会秉持这样的理念呢？如此理念还体现在您别的作品上吗？是如何体现的呢？

毛桦

在现代社会，人们的生活节奏越来越快，艺术往往被视为一种奢侈品，只有在特定的场合和时间才能接触。我认为，艺术的形式是丰富的，艺术与日常生活的界限是人为设定的，我们要去打破这种惯性的认知。

去年，在深圳的FRAME SHOW展厅中，我们将观众与展品之间的二元关系进行了调换，邀请观众踏上“T台”，成为秀场的主角，他们在观看展品的同时，也成为“展品”的一部分，重新定义了观众与艺术之间的关系。

在美术馆的设计中，我们既打造了SZAM ART SPACE艺术空间，又创造了《编织童话》《月下白山》这样可以触摸的艺术装置，人们以互动的方式参与到艺术的日常时刻，无论是举办艺术活动、讲座、工作坊，还是简单的休息和交流，都能够成为人们日常生活的一部分。

异开设计 X Frame Show | 用最日常的、可持续的材料，搭建一个艺术的“秀场”，为家具、瓷砖、洁具....这些我们日常生活中最常见的产品呈现先锋艺术化的表达。异开设计携手FRAME的策展团队，完成了本次展厅的设计与策展展品的规划。（点击图片，查看完整报道）

FRAME

新媒体时代，像美术馆这样原本高高在上阳春白雪的场馆，也要打造一些所谓的网红打卡点，来下场博流量，对此我们可以怎么理解呢，当前形势下不得已而为之，还是说艺术不分高下，参与即是文化的一部分，曲高和寡不可取呢？

毛桦

艺术的本质是激发人的情感和思考。让更多人参与到艺术活动中来，本身就是一种艺术的普及和推广。我认为，这并非刻意营造的网红打卡点，而是一种积极的适应和创新，它们为美术馆带来了更多的传播机会，吸引更多人走进艺术空间。

在前期的设计观察中，我们发现许多城市公共场馆，可以填充更多实质性的内容，与人产生更深层次的连接。我们注入了丰富、多元、可感知的内容，以更有亲和力的艺术点亮空间。正是异开设计对艺术表达的探索与实践，使得它深受市民的喜爱。